Comment passer de soi au personnage ? Comment lui donner un corps, une démarche, une voix, un rythme ? Comment comprendre ce qu’il veut, ce qui le pousse à agir, ce qu’il cache ?
Et surtout : comment éviter de simplement « jouer une émotion » ?

Ce stage propose d’aborder la construction du personnage à travers deux grandes approches du jeu de l’acteur : Konstantin Stanislavski et Michael Tchekhov.

Deux méthodes différentes mais profondément complémentaires. Avec Stanislavski, nous partirons de la situation et de l’action :
Qui suis-je ? Où suis-je ? Quand ? Que veux-je ? Qu’est-ce qui m’en empêche ?

Car un personnage ne joue pas une émotion : il poursuit un objectif.Convaincre. Séduire. Résister. Fuir. Protéger. Dominer. Obtenir. Cacher. Chaque intention entraîne une action et chaque obstacle oblige le personnage à s’adapter.

Nous apprendrons ainsi à construire une scène à partir des circonstances données, à définir un objectif précis et à travailler par actions physiques. Faire quelque chose pour obtenir quelque chose de l’autre. Peu à peu, l’émotion n’est plus recherchée ou fabriquée :
elle naît naturellement de l’engagement dans l’action.

Avec Michael Tchekhov, nous emprunterons une autre porte : celle du corps et de l’imaginaire. Quel endroit de mon corps dirige mon personnage ? En déplaçant ce centre moteur, une nouvelle posture apparaît, une démarche se transforme, le regard change et une autre façon d’entrer en relation avec le partenaire se dessine.

Nous travaillerons également le geste psychologique : un geste simple qui traduit l’élan profond du personnage. Repousser. Attirer. Protéger. Accueillir. Attaquer. Retenir. Offrir… D’abord visible et ample, ce geste sera progressivement intériorisé jusqu’à devenir un véritable moteur invisible du jeu.

Enfin, nous utiliserons la mémoire sensorielle pour nourrir le personnage : une odeur, une température, une matière, un son, une lumière peuvent modifier le souffle, la voix, le rythme ou la qualité d’un regard.

Tout au long du stage, les participants expérimenteront ces outils par le plateau, les exercices, l’improvisation et le travail de scènes. L’objectif n’est pas d’appliquer mécaniquement une méthode, mais de constituer peu à peu sa propre boîte à outils de comédien.

Un stage pour apprendre à ne plus se demander :
« Quelle émotion dois-je jouer ? »

Mais plutôt :

« Qui suis-je ? »
« Qu’est-ce que je veux ? »
« Qu’est-ce que je fais pour l’obtenir ? »
« Quel corps et quelle énergie donnent vie à mon personnage ? »

De l’analyse à l’action. De l’imagination au corps. Du comédien au personnage.

Un personnage ne se décrète pas. Il se construit, se cherche, s’éprouve… et finit par prendre vie.

 

PRESENTATION STAGE THÉÂTRE

LE PERSONNAGE EN JEU

18, 19 et 20 novembre 2026• de 20h à 22h
TARIF : 40 €
Théâtre de L’Inattendu – Villemolaque
Animé par Eric PUCHE

 

Construire un personnage vivant

Comment passer du texte au personnage ? Comment éviter de « jouer une émotion » et construire au contraire une présence crédible, précise et vivante ?

Pendant ces trois soirées, nous partirons d’un principe essentiel :

Un personnage est quelqu’un qui veut quelque chose, rencontre un obstacle et agit pour obtenir ce qu’il veut.

C’est ce moteur qui donnera une direction au jeu.

Le comédien apprendra d’abord à déterminer ce que son personnage cherche profondément, puis ce qu’il veut précisément dans la scène. À partir de cet objectif, il travaillera sur les obstacles rencontrés et sur les différentes actions qu’il peut mettre en œuvre pour agir sur son partenaire : convaincre, retenir, provoquer, rassurer, séduire, déstabiliser, obtenir…

Construire le personnage par le corps

Le personnage ne se construit pas uniquement par la psychologie.

Nous travaillerons également sur le corps, la posture, la démarche, les centres moteurs, le souffle et la voix.

Un centre placé dans la poitrine, le ventre ou les épaules peut modifier la façon de marcher, de regarder, de parler et même d’entrer en relation avec les autres.

L’objectif sera de découvrir comment quelques choix physiques simples peuvent faire naître un personnage sans tomber dans la caricature.

Donner un rythme et une vie intérieure à la scène

Nous explorerons le tempo-rythme : la vitesse intérieure du personnage, qui n’est pas forcément celle de sa parole.

Un personnage peut parler lentement tout en étant intérieurement en urgence. À l’inverse, il peut parler vite tout en étant parfaitement calme.

Nous travaillerons également le silence actif. Un silence n’est pas un temps mort : il peut être une attente, une menace, une hésitation, une résistance ou une décision.

Le comédien apprendra ainsi à continuer à jouer lorsque les mots s’arrêtent.

Faire entrer le personnage avec une histoire

Que vient-il de vivre avant d’entrer en scène ? Quelle relation existe déjà entre les personnages ? Quels événements anciens continuent à peser sur eux ?

Le passé immédiat et les événements antérieurs permettront de donner du poids à l’entrée en scène et à la relation avec le partenaire.

Nous travaillerons aussi sur les images intérieures et la substitution, afin de nourrir le jeu sans chercher artificiellement l’émotion.

Écouter et accepter que la scène change

Une scène devient véritablement vivante lorsque le comédien cesse de réciter ce qu’il avait prévu et commence à réagir réellement à son partenaire.

Nous travaillerons donc beaucoup l’écoute, les changements de stratégie et les bascules : ce moment où quelque chose se fissure, où le rapport de force change, où le personnage doit trouver une autre manière d'obtenir ce qu'il veut.

À travers exercices, improvisations et travail de scènes, les participants expérimenteront progressivement ces différents outils.

L’objectif n’est pas d’accumuler des techniques visibles, mais au contraire de les rendre invisibles afin qu’elles nourrissent naturellement le jeu.

Moins de démonstration, moins d’effet, moins de “jeu”.
Plus d’écoute, de précision, d’action et de nécessité.

STAGE 3 –

LE PERSONNAGE EN SITUATION

16- 17 -8 Décembre  2026

De 20h à 22h

Tarif : 40 €

Animé par Eric PUCHE

 

Après avoir construit un personnage, puis appris à le faire jouer, ce troisième stage propose d’aller plus loin : que devient le personnage lorsque la situation se complique, résiste et l’oblige à se transformer ?

Ici, on ne travaille plus les outils séparément. On apprend à les combiner, puis à les rendre invisibles pour que le public ne voie plus la technique, mais seulement un personnage vivant, cohérent et engagé dans une situation.

Le travail s’appuie sur une idée simple :
une scène devient intéressante lorsque quelqu’un veut quelque chose, que quelque chose l’en empêche… et qu’il continue malgré tout.

Au fil du stage, les participants apprendront à construire de véritables scènes courtes avec une progression claire : une situation, des objectifs opposés, une résistance, une montée de tension, une bascule et un après-bascule.

Nous travaillerons notamment sur l’objectif, l’obstacle, le passé immédiat, le silence actif, les centres moteurs, le dialogue interne, l’image intérieure et le tempo-rythme.

Mais l’enjeu n’est pas d’accumuler les techniques. Au contraire : chaque scène sera construite avec seulement deux ou trois outils choisis avec précision, jusqu’à ce qu’ils deviennent presque invisibles.

Une attention particulière sera portée à la transformation du personnage. Il entre dans la scène dans un état, poursuit un objectif, rencontre une résistance et doit progressivement changer de stratégie, de rythme ou de comportement.

Le personnage ne termine donc pas la scène exactement comme il l’a commencée.

À travers des scènes de demande, de décision, de confrontation, de secret ou de rupture, les participants expérimenteront différentes formes de tension dramatique.

Ils apprendront également à utiliser le silence comme une véritable action, à entrer en scène déjà « chargés » par ce qui vient de se passer et à maintenir leur personnage pendant plusieurs minutes sans perdre son objectif.

Ce stage vise aussi à développer l’autonomie de l’acteur : savoir choisir un outil, comprendre quand il devient utile, mais aussi savoir l’abandonner lorsqu’il empêche le jeu de rester vivant.

Les exercices évolueront progressivement vers des scènes de trois à cinq minutes, plus structurées, avec sous-texte, tensions cachées et véritables transformations.

À la fin du stage, les participants seront capables de :

• construire une scène courte avec une véritable progression dramatique ;
• entrer en scène avec un passé immédiat et un objectif précis ;
• maintenir une tension et un personnage crédible dans la durée ;
• combiner plusieurs outils sans les rendre visibles ;
• utiliser le silence et le sous-texte ;
• créer une bascule et une transformation réelle au cours d’une scène ;
• faire des choix de jeu de manière plus autonome.

Le personnage en situation, c’est le moment où la technique commence à disparaître pour laisser place au jeu.

Un stage pour ne plus simplement « faire un personnage », mais le faire vivre, résister, s’adapter et se transformer sous nos yeux.

Prendre la parole, c’est entrer en scène.
Non pas seulement pour dire des mots, mais pour habiter un espace, respirer un silence, partager une énergie. Ce stage est une traversée du théâtre vers la vie quotidienne, une exploration du corps et de la voix comme instruments d’expression.

Il ne s’agit pas d’apprendre un texte par cœur ni de réciter un discours parfait, mais de découvrir comment un regard peut retenir l’attention, comment un geste peut prolonger une idée, comment une respiration peut donner tout son poids à une phrase. La parole n’est pas seule : elle est portée par un rythme, un timbre, une intensité, par le frémissement du corps qui l’accompagne.

À travers des exercices issus du jeu théâtral, chacun apprendra à apprivoiser sa voix, à en explorer les couleurs, à la laisser résonner dans l’espace comme une musique singulière. On jouera avec le souffle, on apprendra à libérer l’énergie contenue dans le trac, à transformer l’appréhension en vitalité scénique. Les silences deviendront des alliés, les pauses des respirations partagées, les regards des passerelles vers l’autre.

Le corps prendra toute sa place. Redresser l’échine, poser les pieds au sol, trouver l’ancrage qui donne assurance : ces gestes simples transforment l’orateur en présence vivante. Un pas, une main, une inclinaison suffisent à créer une relation avec le public. Le théâtre révèle que l’on peut parler sans prononcer un mot, que la communication est déjà là, dans le moindre mouvement, dans l’intensité d’une posture.

Au fil du stage, la parole deviendra un jeu, un espace d’expérimentation. On osera improviser, se risquer à être regardé, goûter au plaisir de se révéler dans un espace bienveillant. Chacun trouvera sa manière d’exister devant les autres, non en imitant, mais en assumant son authenticité.

À la fin, il ne restera pas seulement une technique : il restera un souffle, une liberté retrouvée. Prendre la parole cessera d’être une épreuve pour devenir une rencontre, une danse entre la voix, le corps et le silence. Comme sur une scène, mais au cœur même de la vie.